“El pes d’un gest”

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Una antigua fábrica, escaleras que nos llevan a sus profundidades y un gran edificio blanco, con luces de neón y sillas “Barcelona” que rápidamente nos vuelven a trasladar al s.XXI… Efectivamente… ¡hoy toca hablar de la nueva exposición de la antigua fábrica Casaramona y actual Caixa Fòrum!

 

¿El saludo?

Una gran sala con un suelo muy nuestro (fijaros que es bastante similar al de la parada de metro de Urgell, por ejemplo) que rápidamente nos traslada a un arte que muchas veces no estamos acostumbrados a encontrar en la institución, a pesar de que se trate de una colección propia de la misma y de la cual también hablamos en La Bcn Que Me Gusta, tal y como podemos ver aquí.

Se trata de la obra de Juan Muñoz, una de las piezas más destacadas de la muestra que hoy me gustaría presentaros con esta entrada. Una obra que, además, se encuentra frente a frente con una de muy distinta, un Degas.

¿El motivo? Una pequeña licencia de Julião Sarmento, el comisario de la exposición, al tener pequeños momentos de libertad, muchas veces muy vinculados a las relaciones que se crean entre las personas, a la hora de seleccionar las obras de la muestra. En este caso, pues, este Degas simboliza esos momentos que Juan Muñoz y Julião Sarmento, grandes amigos, acostumbraban a invertir delante suyo en sus distintos encuentros en Lisboa. Por otro lado, destacar que quizá también el tema de ambas obras puede servir de vínculo pues, mientras que en la obra de Juan Muñoz lo que observamos es un pequeño y entrañable muñeco, en la de Degas encontramos una crítica al artista del plein-air impresionista representando en él un muñeco también, aquel que usaban en los talleres para proseguir con la obra y darle un toque realista, contradiciendo ese principio que proclamaban.

Así, pues, lo segundo que nos llama también la atención cuando entramos en la sala es cómo los salones en los cuales se exponen las piezas dialogan con las obras y las obras lo hacen entre ellas también. Todo ello, en función de la mirada de su comisario, de Julião Sarmento, ya veterano y en una etapa madura dentro del mundo del arte, así como también artista reconocido dentro del arte contemporáneo.

 

¿La exposición?

“El pes d’un gest”, una exposición que supone mucho más que una muestra de arte contemporáneo, no sólo por las piezas expuestas en ella, todas de gran calidad pues corresponden en su mayor parte a los ejemplos más destacados a nivel internacional dentro de este ámbito, sino también por el hecho de que aúne a tres grandes instituciones y sus correspondientes colecciones: el MACBA, el Caixa Fòrum y la fundación portuguesa Gulbenkian.

De este modo, encontramos una muestra de arte contemporáneo con 60 de las 16,000 piezas que engloba la colección (¡la selección ya veis que fue de lo más complicada!) y que recogen tanto artistas conocidos como no tanto para nosotros, como podrían ser algunos portugueses a los cuales se les ha querido también dar la oportunidad de ser expuestos en ella.

¿Su comisario? Como hemos dicho en unas líneas anteriores, su comisario es Julião Sarmento, algo realmente destacable, no sólo por su reconocimiento como profesional dentro del mundo del arte, sino también porque nos muestra la decisión de las instituciones MACBA y Caixa Fòrum de dar la oportunidad a un artista y no a un comisario, como habitualmente se ha hecho siempre, de montar la exposición. Un formato, desde luego, de lo más innovador.

En definitiva, un gran acontecimiento, pues podríamos considerar, por su concepción global, que la misma exposición es una obra artística en sí misma, un lugar en el cual, a medida que recorremos sus salas, tenemos impresiones de lo más diversas. Una muestra que tendrá lugar hasta el 1 de mayo y que un grupo de blogueros, entre los cuales se encontró La Bcn Que Me Gusta, tuvo la oportunidad de conocer de manera exclusiva gracias a una visita guiada de lo más interesante que nos permitió acercarnos a un arte que, quizá de otro modo, no hubiésemos entendido por todos los significados que esconde en cada una de sus obras.

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Fuente: Caixa Fòrum

 

Bienvenida de Valentí Farràs, director del Caixa Fòrum, y de la conservadora del MACBA, Ainhoa González.

 

¿Algunas piezas?

Precisamente por todo este significado que esconde cada una de sus obras y que os comentaba en unas líneas anteriores, me gustaría citaros algunas de ellas (destacar también que disponéis de visitas guiadas cada domingo a las 11h, así como también dinamizadores de sala diariamente que os permitirán conocer cada una de las obras durante vuestra visita).

La primera de la que me gustaría hablaros es la que corresponde, en realidad, a dos obras en un mismo espacio, a dos piezas de los artistas Karla André e Ignasi Abellí. De este modo, en primer lugar, encontramos una gran verja de madera de cedro que nos separa en dos la obra de Ignasi Abellí. Una gran muralla de 25 troncos, idénticos en cuanto a tamaño y forma, conformando una estructura modular que nos muestra la evidencia del material con el cual está fabricada y transformándose en una barrera en la que, a pesar de que aparentemente parezca una unidad global, cada pieza es completamente distinta. Pero también en algo sensorial con ese olor propio de la madera o el paso del tiempo que podemos observar a través, por ejemplo, de las grietas causadas por la humedad que van apareciendo sobre ella.

Formas puras, minimalistas, pero capaces de hablar es lo que podemos observar en esta primera sala.

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Un gran dique donde es el espacio expositivo el que se adapta a él, no la pieza al espacio, y con el cual se pone la primera interrelación entre obras bajo esta mirada del comisario que comentábamos. En este caso, como hemos dicho, una pieza de Ignasi Abellí se separa en dos. En la primera de la dos partes, polvo… el polvo que crea una gran estantería con 109 volúmenes de una enciclopedia y al cual no podemos acceder a causa de este gran dique de Karla André. El tiempo sobre los objetos es el que crea este polvo pero también la imposibilidad de llegar al conocimiento.

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¿La segunda? Una obra que rápidamente nos traslada del ready-made de Duchamp. En este caso, se trata de una creación de Robert Gober, dos grandes picas de baño pero que, sin embargo, rápidamente nos percatamos de que son inutilizables pues no disponen de grifo y sus dimensiones son desmesuradas con una altura impracticable. En este caso, se nos remite, especialmente si tenemos en cuenta el año de creación de la obra, a los años 80 y a los preocupantes problemas que supuso el SIDA. De este modo, nos encontramos ante un espacio de relación con el cuerpo, de limpieza, de higienización de los cuerpos por miedo al contagio en una época en la que dicha enfermedad era una realidad de casi el día a día de todos y todas, ya fuese mediante la prensa como con casos cercanos y reales.

 

La siguiente obra de la cual pudimos disfrutar es quizá la que más sonrisas despertó, más que nada por su forma, una forma creada a partir de la antiforma… ¡menuda paradoja!

¿El motivo? El hecho de que en realidad se haya creado a partir del mismo peso del material con el cual se encuentra realizada, el fieltro. Y es que su autor, Robert Morris, se caracteriza por las diferentes experimentaciones que realiza con materiales distintos y la fuerza de la gravedad sobre ellos.

Su título, Casa de Vetti, hace referencia a una majestuosa casa de Pompeya con pinturas murales relacionadas con Príapo, dios de la fertilidad. De ahí que, dentro de proclamar esa antiforma, propia de esa teoría de la Gestalt de la cual se influenció el artista, en el fondo la forma que todos vemos en esta obra es la que el mismo autor ya buscaba durante su creación, a pesar de los experimentos distintos que aplicase en ella.

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Finalmente, una obra también de lo más interesante y sin la explicación de la cual quizá no la hubiésemos entendido tampoco es el molde de yeso de Rachel Whiteread. Un molde en negativo, es decir, que en realidad lo que representa es algo de lo más íntimo y simbólico, el molde del espacio vacío de la mesa de la cocina de su abuela. La hoja amarilla, propia de las encimeras de las cocinas, sería símbolo de ello.

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Y, hablando de simbolismos… en la muestra también encontramos algunas piezas con significados realmente destacables y emotivos, como la obra del polonés Miroslav Balka, una gran tabla, con 4 latas de hierro con pátina de viejo a su lado, que nos lleva a ese terrible naufragio, en el Mar Báltico y en el año 1945, de un ferry que se llevó la vida de unas 800 personas.

Así, pues…

¿La tabla? La plataforma usada en los barcos para lanzar los cadáveres al agua

¿Las latas? 4 cirios en recuerdo de las víctimas del accidente

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Por último, decir que la exposición, a parte de artes plásticas, escultóricas y fotografía, también engloba un vídeo que nos muestra cómo el pasado puede ser reinterpretado e incluso manipulado y adaptado a nuestros tiempos. Se trata de un vídeo art, algo más clásico que el resto de obras de su alrededor, pero realmente interesante pues en él se coge como base la Olympia de Manet y, a partir de una actriz vestida con todos esos detalles que la caracterizan, se adapta el discurso y el diálogo a nuestros tiempos, convirtiéndolo en algo completamente actual pero, al fin y al cabo, con la misma base, la figura de la prostituta, ya sea del s.XIX como del XXI. Se trata de una obra de Gabriel Abrantes.

 

Pero… ¿Mi favorita? 

La pieza que más me fascinó, especialmente por toda la significación que encontramos en ella, muy vinculada a la técnica que también se usó para realizarla, corresponde al artista José Peperone, una obra que también se expuso en “Art, dos punts” y que volver a reconocer supuso de nuevo una experiencia.

¿La técnica usada? La impresión sobre piel húmeda de la corteza de un cedro de tal modo que sobre ella observamos la huella del árbol, creando vínculos entre la naturaleza y la obra artística. Algo muy vinculado al arte povera que acostumbra a llevar a cabo el artista y que, a su vez, también nos vincula con el mismo artista pues, sobre dicha piel, encontramos también una lámina dorada, ese color que simboliza tanto lo divino e incluso que se encuentra relacionado con el arte Gótico, así como también con las máscaras mortuorias egipcias, en la cual observamos gravada la piel del mismo artista, el paso de su vida y del tiempo sobre ella. De esta manera, en una misma pieza, encontramos ese contacto entre el hombre y la naturaleza, entre el artista y los árboles.

 

Una obra que, además, se encuentra en perfecta relación con su obra vecina, la pieza de Fernando Calhau, realizada a partir de neones y hierros, para nada algo natural en comparación a la obra de Peperone, pero en la cual también observamos el paso del tiempo a través del óxido de su hierro.

 

En definitiva, “El pes d’un gest” se convierte en una interesante exposición que nos lleva a hacer un viaje por el arte contemporáneo europeo, a hacer un paseo por todas esas piezas que representa el arte de nuestro momento y las creaciones realizadas bajo el punto de vista de nuestros contemporáneos. Todo ello, organizado bajo la interesante mirada de Julião Sarmento quien, a pesar de ser también un creador, ha sabido realizar a la perfección la función de comisario, poniendo en relación cada una de las obras entre ellas y su espacio e, incluso, aportando pequeñas licencias personales, como podría ser el citado ejemplo del entrañable muñequito de Juan Muñoz y el Degas que encontramos en su sala.

 

Una exposición, pues, distinta, de la que invito a todos y a todas a disfrutar y de la que podéis encontrar todo tipo de materiales clickando aquí.

 

Para más información:

obrasocial.lacaixa.es/nuestroscentros/caixaforumbarcelona/elpesodeungesto_ca.html

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