*folding cosmos en el Pavelló Mies van der Rohe

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¡Este fin de semana promete artísticamente hablando!

Y es que se divisan dos grandes eventos artísticos que, además de los hechos políticos en los cuales la ciudad y el país se encuentran inmersos, trastocarán Barcelona!

¿Cuáles son estos eventos?

Barcelona Gallery Weekend, ese evento que ya lleva tres años llevándose a cabo en Barcelona y que permite disfrutar de las galerías de nuestra ciudad con visitas y actividades distintas y especiales para la ocasión. Unas jornadas de 4 días organizadas por Art Barcelona, cuyo programa podéis encontrar aquí.

Swab: Se trata de la gran feria de arte contemporáneo de Barcelona que, en esta ocasión, cumple, precisamente, 10 años. En ella, además de encontrar las últimas novedades de las más de 70 galerías de 25 países distintos que participan en la feria, podemos acercarnos al mundo del arte como tal, es decir, a ese gran mercado donde cada pieza y tendencia marca una estética concreta y una manera de entender el arte y la sociedad que gira entorno a él.

Si os apetece visitarlo, la feria tendrá lugar hasta el domingo en el pabellón localizado justo delante de la Font Màgica de Montjuïc. Podéis encontrar también más información sobre las novedades que incluye esta última edición de la feria en esta noticia publicada en El País.

 

Entre estas novedades del Swab que comentábamos, encontramos una que, precisamente, es la que se vincula de lleno con la entrada de hoy. Y es que Swab organiza este año eventos colaterales en lugares como Arts Santa Mònica, talleres de distintos artistas o la Fundació Mies van der Rohe.

Es dentro del marco del Swab y de estas actividades periféricas, pues, que se va a llevar a cabo el proyecto artístico del cual me gustaría hablaros. Se trata de *folding cosmos, una acción artística de Miwako Kurashima capaz de hacernos percibir el arte y su contenedor de una manera distinta, a la manera japonesa, dejando de lado todo aquello superfluo y banal que acostumbra a girar entorno a nuestro día a día captando toda nuestra atención..

Hoy me gustaría presentaros una performance capaz de involucrarnos en ella, a la par que disfrutamos del arte (la acción incluye distintas piezas de reconocidos artistas japoneses) y disfrutamos de un icono de nuestra ciudad desde una perspectiva muy distinta a la habitual, de una manera más experiencial y no tan estática y meramente visual.

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¿El contexto de *folding cosmos? El Pavelló Mies van der Rohe

Sí, es precisamente este icono de la arquitectura moderna alemana, obra del reconocido arquitecto Ludwig van der Rohe, aunque reconstruido en 1980 por Oriol Bohigas, Ignasi de Solà-Morales, Cristian Cirici y Fernando Ramos de una manera meticulosamente fidedigna, la que contiene estos días la acción *folding cosmos en su interior.

Y es que, como sabéis, el que fue Pabellón de Alemania durante la Exposición Internacional de 1929, construido con vidrio, acero y distintos tipos de mármol, aplicando las últimas tecnologías e ideas del momento y del Movimiento Moderno, se trata de una de las piezas arquitectónicas más destacadas de toda una época y es precisamente por ello que, a pesar de ser una obra efímera, desmontada tras el final de la Exposición, se decidió recuperar, siguiendo las mismas técnicas constructivas y materiales que en su momento, en su localización original.

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El Pabellón se concibió para albergar, además de la imagen de Alemania en la Exposición, la recepción oficial en la cual el rey Alfonso XIII, junto a distintas autoridades alemanas, tuvo un papel destacado. Es por ello que cada material tiene un significado y la más suntuosa y solemne procedencia… travertino romano, mármol verde de los Alpes, mármol verde antiguo de Grecia y ónice dorado del Atlas…

 

…. así como también un mobiliario diseñado por el mismo arquitecto para la ocasión.

La silla Barcelona es quizá el objeto más destacado del conjunto, tratándose de un moderno trono par el Rey que, dadas sus características, no sólo continúa siendo un modelo realmente actual y adaptado aún a nuestros gustos, sino también un icono en la historia del diseño.

 

Aquí os dejo algunas de las fotografías realizadas durante el acto inaugural de la Exposición Internacional de 1929:

 

Con esta reconstrucción de los años 80, el que fue un ideal de modernidad a partir de su geometría y técnica de montaje, capaz de crearnos un espacio cerrado pero a su vez abierto y en contacto permanente con su entorno, algo que la artista de la acción artística ha tenido también muy en cuenta, se ha convertido en un importante icono de nuestra ciudad que, gracias a la labor de la Fundació Mies van der Rohe que lo gestiona, alberga distintos eventos y actividades en su interior.

Así, el que tenía que haber sido un espacio efímero y destinado a morir ha recuperado su vida y dinamismo, se ha convertido en un espacio vivo, escenario de otras realidades y organizador de un sinfín de actividades culturales distintas.

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*folding cosmos

Tal y como ya hemos comentado, se trata de un proyecto artístico, creado por Miwako Kurashima, que tras viajar por distintos lugares del mundo, pasando por Berlín, Sapporo, Helsinki, Nueva York o Bath, entre otros, llega a Barcelona, concretamente a la mencionada Fundació Mies van der Rohe.

¿Su objetivo? Crear un espacio para la meditación, diseñando los muebles y seleccionando las piezas artísticas que irán en él, y la celebración de la ceremonia del té (Bontemae), aunando, así, arte y tradición con el contexto en el cual se ubica el proyecto pues, al fin y al cabo, tanto las piezas como el mobiliario se encuentran muy vinculados con el entorno en el cual se encuentran, creando un diálogo con él y una atmósfera ideal para conseguir el objetivo final.

Para ello, en el caso concreto del Pavelló Mies van der Rohe, se ha hecho necesario que cada una de las piezas, tanto las artísticas como aquellas usadas en la ceremonia, fuesen meticulosamente escogidas para crear una conexión entre el interior y el exterior a la manera japonesa. Prueba de ello es que todas ellas estén en relación continua con el Pabellón, tal y como veremos un poco más adelante.

 

“El proyecto *folding cosmos es expresión de la más pequeña sala japonesa con su propio cosmos, dentro del cual se expandirá el mayor universo: también expresa la ligereza y la versatilidad del arte japonés”. Definición de la Fundació Mies van der Rohe

 

Así, podríamos decir que el término “Cosmos” proviene, precisamente, de este “orden” griego que se origina a partir de la creación de un espacio confortable, cerrado en sí mismo, pero a partir del cual, del mismo modo que el término pasó a designar el “universo”, también se puede hacer crecer hacia fuera los valores y sensaciones trabajados en su interior.

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¿Los orígenes de este proyecto?

El proyecto se creó poco después del atentado de las Torres Gemelas de Nueva York en el año 2001. Más tarde, ya en 2004, tuvo lugar el tsunami que arrasó Japón, el país de origen de la artista, y el proyecto aún tomó más relevancia, especialmente gracias a su carácter acogedor y repleto de recuerdos y memoria.

Para ello, recreó el pequeño estudio de Takeshiro Matsuura, un explorador de mediados del siglo XIX procedente de la región japonesa de Ezo. Se le conoce, especialmente, por ser quien nombró “Hokkaido” a la que se trata de la segunda isla más grande del archipiélago, así como también por sus estudios a los Ainu, comunidad procedente de dicha isla.

En motivo de su 70º aniversario, en el año 1887, Matsuura construyó en Tokio este estudio, al cual llamó “One Mat Room”, configurado sólo por un simple tatami y distintos objetos históricos de madera, de diversas procedencias del país, donados por sus amigos. De este modo, los recordaba y los llevaba con él para siempre, junto con todos esos lugares que había visitado. Incluso realizó un pequeño catálogo con las 89 piezas, dando el nombre de quién las había donado y la historia de cada una de ellas.

El explorador pidió que el estudio fuese quemado con sus restos tras su muerte, pero la familia pensó que sería mejor conservarlo, de aquí que actualmente se exhiba en una universidad de Tokio, en la International Christian University.

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Dado que Matsuura consiguió comprimir en un pequeño espacio sentimientos, su vida, sus amigos y sus viajes, Miwako Kurashima decidió tomarlo como punto de inspiración para su recreación a partir de muebles por completo adaptados a nuestros tiempos.

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Dichos muebles acostumbran a ser distintos a los que podemos encontrar en la recreación del Pavelló Mies van der Rohe precisamente por ese interés en adaptar todo el conjunto a su entorno. De este modo, encontramos un mobiliario en diálogo con el Pabellón, con unas líneas simples y rectas, unas uniones perfectas e, incluso, una pequeña ventana, también existente en el mobiliario de Matsuura, que nos permite ver a través de ella ese pequeño jardín de aires japoneses del propio Pabellón y que abre el edificio al exterior.

 

El tatami (elevado, no a ras de suelo) en el cual nos sentamos forma parte de esta experiencia en la que tiene lugar un diálogo silencioso en ese momento en el que Miwako prepara el té y otro de sonoro en el cual se inicia el debate entre los invitados. Nos separa pero también acerca, a diferencia de la alfombra negra del antiguo Pabellón, que únicamente separaba los distintos invitados a la ceremonia inaugural de la Exposición de 1929, marcando el protocolo.

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¿Cuáles son esas piezas escogidas por Miwako Kurashima para dialogar con el espacio y completar la performance?

Isamu Noguchiuno de los escultores japoneses más importantes de nuestra época, creador de las lámparas de papel japonés, “Akari Light Sculptures” (1975), que podemos encontrar tanto en el interior como el exterior del Pabellón. Imitando la topografía japonesa, se encienden progresivamente al caer la noche, haciendo cambiar nuestra percepción del espacio y creando esa atmósfera tan especial que en todo momento el proyecto de Miwako Kurashima pretende alcanzar. Su forma también ayuda a crear horizontalidad, a enfatizar la forma del propio edificio, de ahí que la artista se haya decantado por esta forma y no por la luna tradicional propia de Noguchi.

 

Kineta Kunimatsu: con su “Glaciar mountain” (2017), habitualmente de madera pero en esta ocasión de bronce, nos vincula con otro elemento del mismo material que podemos encontrar en el interior del Pabellón y que, de hecho, se trata de uno de sus símbolos más destacados, la escultura (se trata de una reproducción de la original) “Amanecer” de Georg Kolbe. La escultura de Kunimatsu la podemos apreciar en las fotografías del mobiliario añadidas en unas líneas anteriores, pues se encuentra justo sobre el mueble diseñado por Miwako.

 

Mamoru Fujieda: compositor de las piezas para piano, “Patterns of plants” (1996-2010), que creando un ambiente de lo más especial, nos traslada a ese mundo que todo el proyecto pretende recrear.

Tatsuo Kawaguchi: artista de las pequeñas conchas y flores que podemos encontrar sobre el mueble y el estanque. En este caso, el diálogo lo encontramos desde dos vías pues, mientras que las flores nos recuerdan esos nenúfares originales plantados durante la Exposición Internacional del 1929 en el estanque del Pabellón y no recuperados por temas de salubridad en los años 80, las conchas se vinculan con el mensaje de la propia creadora del proyecto que estamos presenciando. Y es que estas pequeñas conchas proceden, precisamente, de la playa tras el tsunami que dio origen al trabajo de Miwako. Al parecer, Tatsuo Kawaguchi recogió él mismo estas conchas y, en señal de renacimiento, de nueva vida, las convirtió en pequeñas obras de arte y colocó unas semillas en su interior, como si de pequeñas perlas se tratase, de ahí su título, “Seed turned into pearl” (2011).

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Las flores del estanque, “Lily of time” (2017), contienen esas mismas semillas.

 

Finalmente, destacar que el bol cerámico usado durante la ceremonia del té, rudo como el pavimento del Pabellón, es obra de Koichi Uchida.

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Todas ellas nos representan la naturaleza, el agua y las flores dialogando con el espacio en el cual se encuentran, ese Pabellón abierto y cerrado a su vez que comentábamos al inicio de esta entrada.

Pero lo que me pareció más bonito es que las piezas escogidas sean entendidas por la artista como un regalo que ella, como anfitriona de la ceremonia, realiza a sus invitados, de ahí que todo esté tan bien pensado y conectado con su entorno.

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Nuestra experiencia

La performance de Miwako Kurashima tiene una duración de poco más de media hora aproximadamente, con 5 minutos previos de preparación del té, en los que la artista trabaja en silencio y los espectadores disfrutamos del momento, del ritual, de manera fascinante, y 30min de conversación a la par que degustamos ese té preparado con tanta dedicación.

 

Esos 30min (la idea es hacer una ceremonia del té casual, ya que la tradicional ceremonia del té puede llegar a ser algo pesada para un público no habituado a ella), a pesar de que vayan también cambiando en función del público (un buen ejemplo es el trabajo que llevó a cabo en Helsinki con niños), podríamos decir que suponen pasar por distintas fases:

La toma del té como tal, toda una experiencia pues, si se realiza como tiene que ser, se debería hacer sólo con tres sorbos, de entre los cuales el último tiene que emitir un delicado ruido al sorber. Además, dado que el té (verde y con el kit de Kioto, el mejor según la artista) deja un cierto regusto amargo, antes fuimos invitados a un pequeño caramelo de azúcar que suaviza su sabor.

La segunda fase es aquella en la que el público se va soltando y empieza a realizar preguntas a la artista sobre su trabajo.

Finalmente, el intercambio cultural empieza a realizarse, no sólo mediante bromas que indican ya que el grupo se encuentra cómodo, sino también a partir de preguntas más relacionadas con la cultura japonesa y sus distintas maneras de entender el mundo. De hecho, al preguntar sobre las conversaciones más habituales que han ido surgiendo en las distintas ceremonias realizadas por todo el mundo, Miwako nos comentó que, precisamente, el intercambio cultural era uno de los aspectos que más destacaba de la experiencia, algo que también enriquecía a ella.

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No obstante, en ocasiones la complicidad ha sido también tal que los asistentes, especialmente en situaciones como las posteriores a los atentados de las Torres Gemelas o el tsunami de Japón o, incluso, en el caso de un enfermo de cáncer, han acabado abriéndose por completo.

En otras ceremonias, sin embargo, se daba el efecto contrario y tal era la cautivación de los espectadores que, simplemente, se quedaban en silencio y reflexionaban.

Y es que éste es precisamente uno de los objetivos de esta acción cultural, crear un entorno y atmósfera tan especial que cada asistente reaccione de un modo distinto en función de su grado de confort, algo que, en el fondo, no deja de suponer la aplicación de la propia filosofía de la ceremonia del té, en la que todos los asistentes son iguales y tienen el mismo papel.

Desconozco cómo se daba la ceremonia en otros espacios, pero en el Pabellón Mies van der Rohe realmente se consiguió recrear ese espacio donde, no sólo poder tomar el té, sino también disfrutar de una agradable conversación entre desconocidos. Las piezas, como hemos indicado, estaban en completa sintonía con su entorno y, con la presencia de Miwako, el té, el agua de los estanques y los jardines del Pabellón, realmente daba la sensación que nos encontrábamos en un salón de té japonés.

Tal fue la experiencia que, incluso, hicimos el comentario de que, especialmente en estos días tan movidos que estamos viviendo políticamente en nuestro país y en un mundo tan acelerado, era algo realmente fascinante poder disfrutar de ese entorno y momento.

 

La visita

Si estáis interesados en vivir vosotros también esta experiencia, tenéis distintos pases este fin de semana:

Viernes a las 17h y a las 19h

Sábado a las 11h y a las 19h

 

No es necesario reserva, pues la ceremonia se puede presenciar con la entrada al Pabellón y al Swab, sin embargo, si se quiere formar parte activa de la performance, sí que se debe escribir a la Fundación. Tenéis toda la información aquí.

 

En definitiva, esta performance representa una manera de lo más interesante de adentrarnos, no sólo a un entendimiento del arte más participativo, lejos de los tradicionales espacios museísticos en los que las obras conllevan un diálogo unidireccional, sino también en distintas sensaciones y experiencias, a la par que aprendíamos sobre artistas que desconocíamos por completo, al proceder todos ellos de Japón y no de culturas más cercanas a la nuestra.

*folding cosmos, pues, resultó ser una experiencia de lo más interesante que nos introdujo nuevos artistas pero también nos mostró que conectar con el espacio es posible, incluso haciendo revivir un lugar anclado en el pasado, en un momento histórico muy concreto, como es el caso del Pavelló Mies van der Rohe.

 

Para más información:

Fundació Mies van der Rohe  miesbcn.com

*folding cosmos  foldingcosmos.org

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